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Dienstag, 10. Juli 2012

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Pop-Art ist eine Kunstrichtung, vor allem in der Malerei und Skulptur, die Mitte der 1950er Jahre - unabhängig voneinander - in England und den USA entstand, und in den 1960er Jahren zur vorherrschenden künstlerischen Ausdrucksform Nordamerikas und Europas wurde. Die Motive sind häufig der Alltagskultur, der Welt des Konsums, den Massenmedien und der Werbung entnommen.

Dienstag, 3. Juli 2012

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Freitag, 8. Juni 2012

Pop Art

aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie

Skulptur Love von Robert Indiana inNew York City, USA
Pop Art ist eine Kunstrichtung, vor allem in der Malerei und Skulptur, die Mitte der 1950er Jahre unabhängig voneinander in England und den USA entstand, und in den 1960er Jahren zu einer vorherrschenden künstlerischen Ausdrucksform Nordamerikas und Europas wurde.
Die Motive sind häufig der Alltagskultur, der Welt des Konsums, den Massenmedien und der Werbung entnommen, während die Darstellung in fotorealistischer und meist überdimensionierter Abbildung erfolgt.

 

Definition

Pop Art – die Bezeichnung wird dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway zugeschrieben[1] – wird häufig als Reaktion auf die betont intellektuelle abstrakte Kunst charakterisiert, und wendet sich dem Trivialen zu. Der Popkünstler fordert die absolute Realität, das heißt, dass alle Elemente rein, klar definierbare Gegenstands-Elemente sein müssen. Die Formen werden bei einigen Künstlern wie in Comic-Heften mit schwarzen Linien umrandet (Outlines). Oft sind die dargestellten Gegenstände wie in einem Plakat ohne Tiefe, also flächig gestaltet. Die Farben sind immer klar, es werden meistens nur die unbunten und Primärfarben angewendet.
Banale Gegenstände des Alltags werden isoliert und entweder allein oder in Collagen der wie bei Wolf Vostell in Dé-coll/agen oder bei KP Brehmer in seinen Trivialgrafiken verfremdet und verarbeitet. Pop Art ist eine Verknüpfung von Realität und Kunst, die mit eigenen abstrakten Mitteln arbeitet.

Wolf Vostell: VOAEX 1976, Skulptur in Malpartida de Cáceres (Spanien)
Innerhalb der Pop Art kann man zwei verschiedene Grundhaltungen ausmachen: Zum einen eine anfängliche Begeisterung für den nach dem Zweiten Weltkrieg (wieder)erlangten Wohlstand und die damit verbundene Konsumgesellschaft, zum anderen eine spätere kritische Haltung. Diese ist auf Geschehnisse wie den Vietnamkrieg, die Ermordung John F. Kennedys, Rassenunruhen und den steigenden Drogenkonsum in den USA in den 1960er Jahren zurückzuführen, da sie die Verwundbarkeit dieser scheinbar perfekten kalkulierten Wohlstandsgesellschaft aufzeigten.

Pop Art in Großbritannien

Vielen Kunsthistorikern und Kritikern gilt Richard Hamilton als Begründer der Pop Art, obwohl er es Zeit seines Lebens ablehnte, als „Vater der Pop Art“ bezeichnet zu werden.[2] Sein WerkJust what is it that makes today's homes so different, so appealing? von 1956 (Collage, heute: Kunsthalle Tübingen) gilt als erstes Werk der Pop Art, das alle typischen Ingredienzien enthielt, Die Arbeit wurde als Motiv für das Plakat zur Ausstellung This is Tomorrow genutzt, die 1956 in der Whitechapel Art Gallery in London stattfand.[3] Diese Ausstellung war das letzte gemeinsame Ereignis der Independent Group, ein von befreundeten Künstlern gebildeter Kreis, der das Phänomen der Massenmedien und ihre Beziehung zur zeitgenössischen Kunst diskutierten. Gleichzeitig wollte der Kreis einer interessierten Öffentlichkeit neue Themen in ungewöhnlicher Präsentationsform nahe bringen.
Eduardo Paolozzi, Peter Blake, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj, Peter Phillips sowie Pauline Boty[4] waren die weiteren wichtigsten Künstler der englischen Pop Art.

 

Pop Art in den USA und Europa


Oldenburg und van Bruggen:Inverted Collar and Tie, Skulptur, Frankfurt am Main
In den Vereinigten Staaten wurde Pop Art als bewusste Abkehr von der Malerei des abstrakten Expressionismus verstanden. Aufgrund der künstlerischen Tradition der USA war die Pop Art hier direkter und weniger theoretisch ausgerichtet als in Europa. Ein wichtiger Wegbereiter war Richard Lindner. Sehr bekannt sind die Flaggen-Bilder von Jasper Johns und die Materialobjekte von Robert Rauschenberg, die als Vorläufer der Pop Art gelten, ohne selbst dieser Stilrichtung anzugehören. Zur genuinen Pop Art zählen die Siebdrucke von Andy Warhol und die Comic-Bilder von Roy Lichtenstein, die Gegenstands-Nachbildungen aus weichen Materialien von Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen, die großformatigen Bilder von James Rosenquist, die Love-Skulpturen von Robert Indiana und die antiseptischen Badezimmer-Szenen von Tom Wesselmann. Mit der Ausstellung New Painting of Common Objects zeigte Walter Hopps 1962 in Pasadena im Pasadena Museum of Artdie erste Übersicht über die neue amerikanische Pop Art in einem Museum.
In Europa wurde die amerikanische Pop Art erstmals 1964 in den Ausstellungen Amerikansk pop-konst im Moderna Museet Stockholm, Kopenhagen und Amsterdam und Neue Realisten & Pop Artim Gemeentemuseum Den Haag, Wien, Berlin und Brüssel gezeigt, in größerem Umfang 1968 auf der 4. documenta in Kassel.[5] Der Sammler Peter Ludwig erwarb große Werkblöcke, die später als Schenkung in das Kölner Museum Ludwig übergingen, wo sich noch heute einer der größten Sammlung von Pop Art außerhalb der USA befindet. Ende der 1980er Jahre kamen aus der Sammlung vonKarl Ströher umfangreiche Werkgruppen mit Arbeiten von Warhol, Lichtenstein, Jasper Johns und Rauschenberg in den Bestand des Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main.
Der Titel Leben mit Pop - Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus wird 1963 für Ausstellung und Happening von Gerhard Richter und Konrad Lueg in einem Düsseldorfer Möbelhaus benutzt. Der Berliner Galerist René Block nahm den Begriff dann für seine Künstler KP Brehmer, Karl Horst Hödicke, Sigmar Polke und Wolf Vostell. Vostell bewegte sich zwischen Décollage, Fluxusund Pop - wenn er Autos einbetoniert oder Eddie Adams Pressefoto der Erschießung eines VC in Saigon benutzt. Auch der politische Berliner Realist Peter Sorge benutzte popartige Versatzstücke.

Frühe Ausstellungen der Pop Art

  • 1956: Whitechapel Art Gallery, London: This Is Tomorrow, kuratiert von Lawrence Alloway [6]
  • 1958: Leo Castelli Gallery, New York, Jasper Johns (erste Einzelausstellung) [7]
  • 1958 Leo Castelli Gallery, New York, Robert Rauschenberg [8]
  • 1962: Sidney Janis Gallery, New York, The New Realists von amerikanischer Seite u. a. mit Jim Dine, Robert Indiana, Roy Lichtenstein, Robert Moskowitz, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal, Andy Warhol und Tom Wesselmann. Dazu viele Nouveaux Realistes; Stable Gallery, New York, Robert Indiana. Einzelausstellungen aller führenden Künstler in NYC.
  • 1962: Leo Castelli Gallery, New York, Roy Lichtenstein
  • 1963: Galerie Ileana Sonnabend, Paris, Roy Lichtenstein; The Jewish Museum, New York, Robert Rauschenberg; Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Six Painters and The Object mit Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist und Andy Warhol
  • 1964: Februar–April: Amerikanst pop-konst, Moderna Museet, Stockholm. Danach im Louisiana Museum für Moderne Kunst, Kopenhagen und im Stedelijk Museum, Amsterdam.
  • 1964: Nieuwe Realisten, Gemeentemuseum Den Haag, danach im Gemeindemuseum Wien, als Neue Realisten & Pop Art in der Akademie der Künste, Berlin. Und in Brüssel im Palais des Beaux-Arts.

Literatur

  • Werner Hofmann: Neue Realisten & Pop Art, Ausstellungskatalog. Akademie der Künste, Berlin 1964
  • Lucy R. Lippard (Hrsg.): Pop Art, New York
  • Walter Grasskamp, Michaela Krützen, Stephan Schmitt (Hrsg.): Was ist Pop? Zehn Versuche. Fischer, Frankfurt am Main 2004
  • Klaus Honnef: Pop Art (Taschen Basic Art Series), Taschen, Köln 2004, ISBN 978-3-8228-2216-6
  • Tilman Osterwold: Pop Art, Taschen, Köln 2007, ISBN 978-3-8228-3753-5
zu einzelnen Künstlern
  • Klaus Honnef, Andy Warhol: Andy Warhol, 1928-1987. Kunst als Kommerz, Taschen, Köln 1999, ISBN 978-3-8228-6378-7
  • Ernst A. Busche: Roy Lichtenstein. Das Frühwerk 1942–1960, Gebrüder Mann Verlag, 1988, ISBN 978-3-7861-1488-8
  • Robert Rauschenberg, Trisha Brown u.a.: Robert Rauschenberg, Hatje Cantz, 1998, ISBN 978-3-7757-0750-3
  • Richard Hamilton: Retrospective /Introspective: Retrospective. Paintings and drawings from 1937 to 2002, Bd. 1, W. König, Köln 2003, ISBN 978-3-88375-657-8

Weblinks

Commons: Pop art – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

Einzelnachweise

  1. Hermann W. von der Dunk: Kulturgeschichte des 20. Jahrhunderts, DVA, München 2004, ISBN 978-3-421-05604-7
  2. Alexander Menden: Die Macht der gefilterten Bilder. Zum Tod des britischen Künstlers Richard Hamilton, der nie 'Vater der Pop Art' sein wollte. In: Süddeutsche Zeitung vom 15. September 2011, S. 15.
  3. Uwe M. Schneede: Die Geschichte der Kunst im 20. Jahrhundert: Von den Avantgarden bis zur Gegenwart, C.H.Beck, München 2001, ISBN 978-3-406-48197-0
  4. Alice Rawsthorn:Tomorrow's girl,The guardian, 19. Juni 2004
  5. Dieter Honisch, Jens Christian Jensen u. a.: Amerikanische Kunst von 1945 bis heute: Kunst der USA in europäischen Sammlungen, DuMont, Köln, 1976, ISBN 978-3-7701-0914-2
  6. Chronologieder Pop Art bei Centre Pompidou. Alloway prägte den neuen Begriff Pop Art
  7. Alfred Berr kaufte für das Museum of Modern Art vier Bilder aus der Ausstellung
  8. Rauschenberg stellt unter anderem die Gemälde und Objekte Bed (Objektcollage, bemalt,1955), Rebus (Öl auf Leinwand, 1955) und Interview (Objektcollage, bemalt,1955) aus.
Quelle:  Wikipedia
 

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Donnerstag, 24. Mai 2012

Coosje van Bruggen

aus Wikipedia, der freien Enzyklopädie
 
Coosje van Bruggen (* 6. Juni 1942 in Groningen; † 10. Januar 2009 in Los Angeles) war eine amerikanische Bildhauerin, Kunsthistorikerin und Kunstkritikerin niederländischer Herkunft. Sie war künstlerische Partnerin und Ehefrau des Bildhauers Claes Oldenburg.

Leben und Werk

Nach einem Studium der Kunstgeschichte an der Reichsuniversität Groningen arbeitete Van Bruggen von 1967 bis 1971 beim Stedelijk Museum in Amsterdam. Von 1971 bis 1976 hatte sie einen Lehrauftrag der Akademie für Kunst und Industrie Enschede. Seit 1976 arbeitete sie mit Claes Oldenburg zusammen, 1977 heiratete das Paar. 1978 zog Van Bruggen nach New York, 1993 wurde sie US-amerikanische Staatsbürgerin.

Zusammen mit Oldenburg entwarf die Künstlerin einige Großskulpturen, so auch die in Frankfurt stehende Inverted Collar and Tie. Seit Beginn der 1980er-Jahre arbeitete Van Bruggen als unabhängige Kuratorin und Kunstkritikerin, 1982 war sie Mitglied des Auswahlkomitees der documenta 7. Van Bruggen veröffentlichte Schriften über die Frühwerke Oldenburgs, über das Guggenheim Museum Bilbao und die Arbeiten Bruce Naumans. Die Skulpturen Van Bruggens werden der Stilrichtung Pop-Art zugeordnet.
Coosje van Bruggen starb Anfang Januar 2009 in Los Angeles an Brustkrebs.

Skulpturen in Europa

Weblinks

 Commons: Coosje van Bruggen – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien


 Quelle: Wikipedia




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Montag, 14. Mai 2012

Pop Art Dogs



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Popart Humboldt

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Freitag, 13. April 2012

Found@Flickr: No, Julie, You're not getting a new phone, but I did draw you this picture

No, Julie, You're not getting a new phone, but I did draw you this picture.
Artwork by: Jacque Davis

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Mittwoch, 7. März 2012

Roy Lichtenstein


Signature von Lichtenstein auf einer Skulptur

Roy Fox Lichtenstein (* 27. Oktober 1923 in Manhattan; † 29. September 1997 in Manhattan) war ein US-amerikanischer Lehrer und Maler der Pop-Art. Neben Andy Warhol war er der wohl bekannteste Vertreter dieser Kunstrichtung. Der Durchbruch gelang ihm 1961 mit dem Bild Look Mickey (dt. Schau mal Micky), sein Stil wurde der industrielle Stil des gedruckten Comics. In seinen späteren Arbeiten orientierte Lichtenstein sich dagegen wieder an seinen expressionistischen und surrealen Wurzeln. Mit dem Kyoto-Preis wurde ihm 1995 eine der höchsten Auszeichnungen für Verdienste um Wissenschaft und Kultur verliehen.

Biografie


Barcelona, The Head (1992)


Roy Lichtenstein wurde 1923 in einer New Yorker Mittelstandsfamilie geboren. Sein Vater war Immobilienmakler.[1] Roy besuchte eine Privatschule, deren Lehrplan keinen Kunstunterricht enthielt. Als Teenager begann er zu malen und zu zeichnen. Er hatte Interesse an Jazz und nutzte Jazzmusiker mit ihren Instrumenten als Vorlage für Porträts im Stil von Ben Shahn. Seine Modelle traf er bei Konzerten in Harlem und in Jazz-Clubs der 52nd Street.
Im Sommer 1939 besuchte er die Kurse der Art Students League bei Reginald Marsh. Lichtenstein zeichnete Modelle und New Yorker Stadtszenen wie Coney Island, Straßenfeste und Boxkämpfe. Marsh selbst gehörte zu den Malern, die sich der nationalen Kunst und Malerei verschrieben hatten. Er malte Motive des Alltagslebens und konzentrierte sich dabei auf greifbare Motive, Abstraktionen wie sie der Kubismus oder der europäische Futurismus enthielt, lehnte er ab. Darauf begründeten sich auch die Motive Lichtensteins, obwohl sein erklärtes Vorbild bereits zu dieser Zeit Pablo Picasso war, dessen blaue und rosa Periode Lichtensteins frühe Werke stark beeinflussten.
1940 beendete Lichtenstein die High School und schrieb sich aufgrund fehlender Möglichkeiten in New York an der Ohio State University in der School of Fine Arts ein. [2] Er selbst wollte Künstler werden, ließ sich von seinen Eltern jedoch überreden, ein Lehrdiplom an der Kunstakademie zu machen. Den größten Einfluss auf ihn übte Professor Hoyt L. Sherman aus und Lichtenstein malte Modelle und Stillleben im Stil des Expressionismus. Von 1943 bis 1945 unterbrach er sein Studium und diente beim Militär, dabei wurde er in Europa eingesetzt. Mit Tusche, Stift und Kreide fertigte er in dieser Zeit Naturzeichnungen an. Nach dem Krieg belegte er an der Pariser Cité Universitaire Kurse in Französisch und Geschichte, kehrte jedoch bereits nach eineinhalb Monaten nach Amerika zurück, um seinen kranken Vater zu besuchen.[3]
Sherman nutzte in seinen Kursen eine Methode, die als „Flash room“ bekannt wurde. Dabei dunkelte er den Raum ab und projizierte kurz Bilder auf bis zu drei Leinwände, die im Laufe des Semesters immer komplexer wurden, später hängte er reale Objekte an die Decke, die ebenfalls kurz angestrahlt wurden. Die Studenten mussten das Gesehene im Dunkeln aufgrund des gedanklichen Nachbildes zu Papier bringen. Auf Lichtenstein hinterließen diese Kurse einen sehr prägenden Eindruck. In seinen späteren Werken versuchte Lichtenstein immer wieder, die Flächigkeit des Bildes mit der Präsenz des mehrdimensionalen Gegenstandes zu kombinieren. Im Juni 1946 schloss er sein Studium an der Ohio State University ab. Er begann anschließend den Master of Fine Arts-Studiengang und nahm eine Lehrtätigkeit an, die bis 1951 dauerte. In dieser Phase ließ er sich bei seinen halbabstrakten Bildern von den Kubisten inspirieren.
Frühe und weitgehend erfolglose Künstlerjahre
1950 schloss er den Master-Studiengang ab und verlor im Jahr darauf seine Dozentenstelle, da die große Zahl der durch den Staat mit dem G.I. Bill geförderten Studenten einbrach. Bereits im Jahr 1949 heiratete Roy Lichtenstein Isabel Wilson. Das Paar bekam zwei Söhne, David Hoyt (* 1954) und Mitchell Wilson (* 1956).[4] Lichtenstein zog im Jahre 1951 nach Cleveland, wo seine Frau eine Anstellung hatte, und arbeitete als grafischer und technischer Zeichner sowie als Designer für Weißblechdosen. Seine ersten Einzelausstellungen 1949/1950 fanden in der Ten-Thirty Gallery, Cleveland und der Carlebach Gallery, New York statt. 1965 wurde
die Ehe mit Isabel Wilson geschieden
.
Lichtenstein BMW, 1977
Zwischen 1952 und 1955 konzentrierte Lichtenstein sich auf typisch amerikanische Sujets, beschäftigte sich mit Expressionismus,Abstraktion und bemalten Holzkonstruktionen. Sein künstlerisches Schaffen stellte eine irritierende Verfremdung von typisch amerikanischen Gemälden (etwa Western-Motiven von Frederic Remington und Charles Willson Peale) auf kubistische Weise dar. Dadurch entstand eine Art von distanzierter historischer Malerei, die zwar eine Bewunderung für die gewählten Motive enthielt, aber zugleich durch die Maltechnik zu diesen auf Abstand ging. Ähnliche Motive verwendete Lichtenstein zu dieser Zeit auch für Skulpturen aus Holz und Metall. Bis 1957 kamen noch drei weitere Ausstellungen in der John Heller Gallery, New York hinzu; Lichtenstein konnte allerdings trotz der Präsentation seiner Werke nur wenige verkaufen. Um seinen Lebensunterhalt verdienen zu können nahm er 1957 seine Lehrtätigkeit erneut auf. Er erhielt eine Anstellung als Assistenzprofessor für Kunst an der New State University, Oswego, wo er die folgenden drei Jahre lang unterrichtete.[5]

Die ersten Anzeichen von Pop-Art ließen sich 1956 in humorvollen Lithografien erkennen, obwohl er zu dieser Zeit noch vorwiegend expressionistische Bilder malte. 1957 entstand etwa das Bild Ten Dollar Bill, welches einen stark abstrahierten Zehndollargeldschein darstellte. Die Konzentration Lichtensteins auf den zu der Zeit in den USA sehr populären Expressionismus wird häufig als Versuch gedeutet, auf den Mainstream aufzuspringen und auf diese Weise kommerziell erfolgreich zu werden. Dabei herrschten zwei Richtungen des Expressionismus vor, zwischen denen Lichtenstein pendelte, zum einen das „Action Painting“, vornehmlich repräsentiert durch Willem de Kooning und Jackson Pollock und zum anderen der introvertierte Expressionismus, der zum Beispiel durch Barnett Newman und Robert Motherwell vertreten wurde. Newman wurde bekannt durch große und reine Farbflächen, die den Betrachter zu einer meditativen Beschäftigung mit dem Bild animieren sollten.
Roy Lichtenstein begann 1957 mit diesem Stil zu experimentieren und stellte seine Werke 1959 erneut in New York aus, allerdings ohne damit viel Aufmerksamkeit zu erregen. Wahrscheinlich aus fehlender Überzeugung für diesen Stil begann er schließlich gelegentlich Comic-Figuren wie Mickey Mouse, Donald Duck, Bugs Bunny und andere Disney-Charaktere zu malen. Er selbst bezeichnete dies als einen puren Verzweiflungsschritt, denn seiner Ansicht nach waren zwischen Milton Resnick und Mike Goldberg einfach keine Nischen mehr frei. Seine ersten Disney-Bilder wurden nie öffentlich gezeigt und zu einem großen Teil von Lichtenstein selbst wieder übermalt.
Look Mickey, der Durchbruch einer Provokation
Von 1960 bis September 1963 war Lichtenstein an der Rutgers University in New Jersey angestellt und zog auch dorthin um. Er lernte dort Allan Kaprow kennen, der ihn mit Robert Watts, Claes Oldenburg, Jim Dine, Robert Whitman und anderen bekannt machte. Kaprow wurde bekannt durch seine Etablierung von Happenings und Installationen, die die Kunst mit der Verwendung von Alltagsgegenständen verband. Diese Einstellung teilte er mit seinem Lehrer, dem Musiker John Cage, der auch als Mentor der beiden Extremkünstler Robert Rauschenberg und Jasper Johns galt. Deren extremer Umgang mit der Kunst stellte für Lichtenstein die Grundlage für seine provokativen Comicbilder dar. Lichtenstein experimentierte erst mit Kaugummibildern und kam dann auf die Idee, diese großformatig zu produzieren. Als Experiment gestartet, begeisterte diese Idee den Maler und 1961 brach er dann auch mit den restlichen Traditionen der bisherigen Malerei, indem er die Imitation der industriellen Drucktechnik und vor allem die aus den Comics bekannte Sprechblase in seinen Bildern verwandte.
[6]
1961 bis 1965 (Auswahl, extern)

Das erste Resultat dieser neuen Idee war 1961 das Bild Look Mickey (dt. Schau mal Micky), auf dem Mickey Mouse und Donald Duck auf einem Bootssteg dargestellt waren. Donald ruft begeistert aus Look Mickey, I’ve hooked a big one!!, obwohl sich sein Angelhaken nur in seiner Jacke verfangen hat, Mickey steht grinsend mit vorgehaltener Hand hinter ihm. Mit diesem Bild gelang Roy Lichtenstein der Durchbruch; sein Stil wurde zugleich der industrielle Stil des gedruckten Comics. Im gleichen Jahr malte er sechs weitere Bilder in demselben Stil. Unter diesen Bildern findet sich auch Mr. Bellamy. Lichtenstein legte seine Bilder im Herbst dem New Yorker Galeristen Leo Castelli vor, der sie sofort für seine Galerie akzeptierte. Einige Wochen später tauchte in der gleichen Galerie auch Andy Warhol mit Comicbildern auf, diese lehnte Castelli jedoch ab. Als Warhol die Bilder Lichtensteins sah, schwor er den Comics ab, da er diese Nische als besetzt und in Lichtenstein seinen Meister erkannte. Stattdessen verlegte er sich auf die künstlerische Darstellung von Quantitäten und Wiederholungen, mit denen er dann weltbekannt wurde.
    1962 waren alle Bilder an bedeutende Sammler verkauft und Roy Lichtenstein war in der Lage, von seinen Bildern zu leben. Diese Erfahrung verarbeitete er 1962 in seinem Masterpiece (dt. Meisterstück), in dem er die Protagonistin zu ihrem Begleiter sagen lässt:Why, Brad Darling, this painting is a Masterpiece! My, soon you’ll have all of New York clamoring for your work!. In diesem Jahr nahm Lichtenstein auch an den ersten wichtigen Ausstellungen der Pop-Art teil:
    • The New Paintings of Common Objects im Pasadena Art Museum
    • New Realists in der Sidney Janis Gallery, New York
      • Kunst und Kommerz
        1963 zog Roy Lichtenstein wieder nach New York und widmete sich im folgenden Jahr ganz der Malerei. In der Folgezeit entstanden eine Vielzahl von Werken des Künstlers, die in verschiedene Themenbereiche einzuordnen sind und oftmals als Serien gemalt wurden. Neben der reinen Malerei widmete sich Lichtenstein auch der Plastik sowie der Installation künstlerischer Objekte; auch hier immer auf den Lichtenstein-Stil bedacht. Roy Lichtenstein nutzte im Gegensatz zu Andy Warhol nie Fotografien als Vorlage für seine Bilder. Stattdessen verwandte er weiterhin Vorlagen aus Comicserien oder auch aus dem Branchenbuch, wie etwa bei Girl with Ball (1961, dt. Mädchen mit Ball).

      Skulptur, "Brushstroke", 1996
      Sein Frühwerk zeichnete sich noch durch eine starke Themenfächerung aus. Bei vielen dieser Bilder sind die Vorlagen noch greifbar und ein direkter Vergleich ist möglich. Bei anderen, wie etwa der Darstellung Golf Ball, handelt es sich offensichtlich um Studien zur Dreidimensionalität. Starke Einflüsse von Pablo Picasso und von Piet Mondrian lassen sich bei den Bildern Lichtensteins dieser Zeit erkennen, zugleich werden in seiner simplen Objektwahl Parallelen zu zeitgenössischen Künstlern wie Claes Oldenburg deutlich, der Tortenstücke oder Sandwiches aus Vinyl oder Gips gestaltete. Unübersehbar von der Überflutung mit Werbung für neuartige Geräte und Gegenstände der Zeit beeinflusst, entstanden Bilder wie Roto Broil (1961, dt. Friteuse), Washing Mashine (1961, dt. Waschmaschine) oder Sock (1961, dt. Socke). Diese „kommerzielle Kunst“ teilte mit den Comicbildern die subtile Darstellung.
      Die Wiedergabe von Alltagsgegenständen stieß bei den Kunstkritikern auf Ablehnung, nicht jedoch bei den Käufern bei Castelli. Durch seinen Versuch, die industrielle und damit kommerzielle Produktion der Comics zu kopieren, steigerte Lichtenstein die enge Verbindung zwischen Kunst und Kommerz weiter. Spätestens mit seinem Werk Art (1962) führte er die traditionelle Institution Kunst ad absurdum, indem er ein beinah zwei Quadratmeter großes, in schwarzer Schrift gehaltenes Wort als Kunst darstellte: ART, auf deutsch: Kunst.
      Gerade die Kriegsbilder dieser Zeit wurden häufig als eine Antikriegshaltung des Künstlers interpretiert, der Lichtenstein aber eine deutliche Absage erteilte:„Es ist kein vorrangiges Ziel meiner Kriegsbilder, militärische Aggressivität in einem absurden Licht darzustellen. Persönlich finde ich, unsere Außenpolitik ist in vieler Hinsicht barbarisch gewesen, aber das ist es nicht, worum es mir bei meiner Arbeit geht, und ich will diese weitverbreitete Position auch nicht ausschlachten. Das Thema meiner Arbeit betrifft eher unsere amerikanische Definition von Bildern und visueller Kommunikation.“
      Abstraktionen im Comicstil
      Bereits während seiner frühen Schaffensphase begann Lichtenstein auch mit einer Verbindung der Abstraktion und seines neu entwickelten Comicstils. 1964/1965 erstellte er Gemälde und Keramikskulpturen von Frauenköpfen sowie Landschaften und setzte auch seine Explosionen in Skulpturen um (etwa Explosion No. 1 (1965) aus lackiertem Metall). Bis 1969 widmete er sich dann der Monumentalarchitektur, seinen Pinselstrich-Serien, Explosionen und modernen Gemälden mit einem Bezug auf die 1930er.
      Abstraktionen (Auswahl, extern)

      Auch bei seinen abstrakten Werken, die wie Comicversionen der Bilder von Pablo Picasso oder anderer Künstler der Zeit wirken, spielte Lichtenstein mit einem Wechsel der starken schwarzen Linien, ausgefüllten und punktierten Flächen. Dabei entstanden Werke wie Study for Preparedness (1968, dt. Studie für das Bild Bereitschaft), oder das aus vier Tafeln bestehende Modular Painting with four Panels No. 2 (1969). Die Pinselstrichserie setzte monochrome Pinselstriche mit schwarzen Einfassungs- und Riefenlinien auf einen punktierten Grund (etwa White Brushstroke I (1965) oder Yellow and Green Brushstrokes (1966).
      Anfang 1969 arbeitete er in Los Angeles an einem Film über Seelandschaften und experimentierte zusammen mit Joel Freedman in New York mit dem Medium des Films. 1970 zog er nach Southampton um und wurde Mitglied in der American Academy of Arts and Sciences.
      In den 1970ern beschäftigte er sich mit optischen Täuschungen und Werken der Kunstgeschichte. In dieser Phase entstanden verschiedene Stillleben wie Still-Life with Silver-Pitcher (1972, dt. Stillleben mit Silberkrug),Still-Life with Net, Shell, Rope and Pulley (1972, dt. Stillleben mit Netz, Muschel und Tau), Still Life with Goldfish (1974, dt. Stillleben mit Goldfisch) oder Still-Life with Lemons (1975, dt. Stillleben mit Zitronen), in denen er auch die Stillleben des 19. Jahrhunderts abstrahierte. Weitere Werke nutzen die Arbeiten anderer Künstler als Vorbild, etwa die Forest Scene (1980, Waldszene) oder Rouen Cathedral (Seen at Three Different Times of Day) Set No. 2 (1969, nach Claude Monet) sowie Red Horseman (1974, dt. Roter Reiter) nach dem gleichnamigen Bild vonCarlo Carrà. Die Serie Artist’s Studio wiederum beschäftigte sich mit seinen eigenen Werken, die Lichtenstein in neuem Zusammenhang wieder darstellte (etwa Artist’s Studio, Look Mickey (1973), Artist’s Studio – with model(1974) oder Artist’s Studio, Foot Medication (1974)). 1979 erhielt er den Auftrag für eine öffentliche Skulptur, eine Meerjungfrau für das Theater of Performing Arts in Miami Beach, Florida.
      Besonders in den 1980ern entstanden Werke von Roy Lichtenstein, die die Comic-Atmosphäre wieder vollkommen verließen und an die expressionistischen und surrealen Wurzeln des Künstlers erinnerten. Mit klaren Farben, allerdings ohne flächige Elemente oder Einrahmungen, stellte er gegenständliche Eindrücke wie Landschaften dar. In dieser Zeit entstanden etwa Red Barn through the Trees (1984), Sunrise (1984) oderLandscape with Red Roof (1985). Zudem schuf er Werke in diesem Stil, die von der ostasiatischen Kunst inspiriert waren. [7]
      Roy Lichtenstein war Teilnehmer der 4. documenta in Kassel im Jahr 1968 und auch auf der Documenta 6 im Jahr 1977 als Künstler vertreten. Im Jahr 1995 wurde ihm der Kyoto-Preis verliehen. Von der George Washington University, Washington D.C. erhielt Roy Lichtenstein 1996 einen Ehrendoktor.[3] Er starb am 29. September 1997 in Manhattan an den Folgen einer Lungenentzündung.[1]

      Stil

      Roy Lichtenstein malte mit kräftigen, klaren Farben. Seine Werke erinnern häufig an Comics oder an alte Zeitungsanzeigen. Auf diese Art versuchte Roy Lichtenstein, die Kunst mit dem Konsumgut zu verbinden. Er nutzte bewusst Elemente der industriellen Produktion kommerzieller Produkte, wie Comic-Hefte und Werbeanzeigen. Er verband diese mit der Kunst und kritisierte damit die Abgehobenheit der Kunst vom alltäglichen und konsumgeprägten Leben.
      Für seine Zwecke entwickelte Roy Lichtenstein eine besondere Maltechnik weiter, die im Englischen Benday Dots genannt wird und von dem amerikanischen Künstler und Erfinder Benjamin Day für die industrielle Illustration entwickelt wurde. Dabei setzte er statt Farbflächen nur gleichmäßige Farbpunkte und verlieh somit seinen großformatigen Werken eine künstliche Wirkung. Diese Rastermethode, der andere Künstler anfangs mit Humor begegneten, karikierte er auch selbst, zum Beispiel mit dem Werk Magnifying Glass (1963, dt. Vergrößerungsglas).
      Ein sehr eindrucksvolles Beispiel für Lichtensteins Nutzung industrieller Ideen ist seine Farbgebung. Wie der kommerzielle Produzent von Druckwerken versuchte er, so wenig Farben wie möglich einzusetzen. Während der Drucker dies jedoch aus ökonomischen Gründen tut, wird es bei Lichtenstein zu einem künstlerischen Mittel. Schwarzes Haar, etwa bei dem Bild Drowning Girl (1963, dt. Ertrinkendes Mädchen), stellte Lichtenstein blau dar und sparte sich so die Lichteffekte. Große Flächen wurden entweder vollständig gefüllt oder durch die typische Punktierung dargestellt, wieder ein ehemals ökonomischer Zwang, den Lichtenstein im Sinne seiner Kunst einsetzte.
      Die Personen, die Lichtenstein in seinen Werken abbildete, entbehren jeder Individualität und stellen in der Regel den Archetyp der schönen Frau dar – meist blond – wie etwa in Eddie Dyptych (1962, dt. Eddie Dypitchon), The Kiss (1962, dt. Der Kuss) oder " Vicky "(1964).
      Das Wirken Roy Lichtensteins beschränkte sich jedoch nicht auf das Malen von Bildern. Er widmete sich dem Siebdruck, dem Holzdruck und bediente sich der Collagen-Technik. Auch keramische Techniken und Skulpturen schuf der Künstler immer wieder.[8]

       

      Literatur

      Film

      Weblinks Commons: Roy Lichtenstein – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

      Einzelnachweise

      1. a b Der Spiegel: Schocktherapie mit Pop, 41/1997, 6. Oktober 1997
      2. Isis (Hrsg.): Meisterwerke der Kunst Malerei von A-Z, S. 441, Isis Verlag, 1994
      3. a b Biographie auf der Seite der Roy Lichtenstein Foundation
      4. Magda Salvesen, Diane Cousineau: Artists' Estates - Reputations in Trust, Jack Cowart on the Roy Lichtenstein Foundation, S. 336, Rutgers 2005, ISBN 0-8135-3604-9
      5. Lawrence Alloway: Roy Lichtenstein (Modern Masters Series), S. 127, Abbeville Press, 1983, ISBN 0-89659-330-4
      6. Uta Sienel: Der Siebdruck und seine Druckträger-Zur Materialität eines jungen Druckverfahrens, Roy Lichtenstein und seine Serigraphien auf Papier, S. 168, Utz, 2008, ISBN 3-8316-0824-5
      7. Wolf Stadler: Lexikon der Kunst, Bd.7. S.280. Eggolsheim 1987. Zudem deutlich in der Ausstellung "Roy Lichtenstein. Kunst als Motiv." bis 3.Okt.2010 im Museum Ludwig in Köln erkennbar.
      8. Wallstreet-Online.de - Roy Lichtenstein ist einer der Pioniere der Pop-Art abgerufen am 9. April 2010

      ! Anmerkung: Die extern gelinkten Bilder sind urheberrechtlich geschützt und stehen NICHT unter einer der hiesigen Freien Lizenzen wie GNU FDL oder Creative Commons.


      Quelle: Wikipedia
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